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Héctor y Berna (José Sacristán y Ana Marzoa) son un matrimonio sin hijos, a lo largo de su vida han reunido una colección a la que sacrificaron todo lo demás. Ahora, ancianos, quieren asegurarse de que la colección los sobreviva, para lo que buscan un heredero. Han convocado a Susana, coleccionista a su vez, acaso para examinarla. Los acompaña Carlos, quizá él mismo un examinador, si es que no una pieza de la colección. Es “La colección” una obra sobre el matrimonio, sobre el paso del tiempo y sobre la misteriosa relación entre las personas y los objetos.
“Era necesario que alguien hiciese la colección. Imágenes separadas por océanos o siglos esperaban que alguien las reuniese. Su destino era la colección. Si algún día, dentro de un millón de años, un ser capaz de pensar y de sentir encuentra la colección, sabrá qué es la humanidad y qué podría haber sido. Antes de atravesar esa puerta, piensen que, cuando vuelvan a este lado, todo lo verán desde la colección. También a las demás personas y a sí mismos. La colección te descubre. No puedes verla y no preguntarte quién eres, porque contiene todo lo que eres y todo lo que no eres.”. Juan Mayorga

María José Llergo (Pozoblanco, 1994), es mucho más que la joven promesa del cante en España. Es una realidad tan sólida como su capacidad innata de conmover y generar emociones gracias a un compromiso artístico que no negocia. Una figura capaz de conectar de manera natural la tradición y la vanguardia en el arte del flamenco más universal, haciéndolo accesible a todo tipo de público. Su música es una renovación y evolución perenne como alma aventurera que busca diferentes desafíos a la hora de explorar nuevos territorios, en este caso, sonoros.
Un artista multidisciplinar – canta, compone y toca diferentes instrumentos – en constante crecimiento desde que despegó su carrera en 2018 con “Niña de las dunas”, pasando por COLORS, la plataforma audiovisual en la que han participado artistas como Dua Lipa o Jorja Smith, haciendo de su música un fenómeno global o la publicación de su EP “Sanación” donde dejó patente su esencia personal e innovadora para entrelazar el flamenco con texturas de electrónica ambiental mientras homenajea sus orígenes.
En “Ultrabelleza”, su último álbum, la superación y lucha subyace como la gran consecuencia emocional que irradia una mirada esplendorosa y alegre. Un renacer vital cargado de empoderamiento en un proceso de madurez, tan lógico como admirable, donde a la de Pozoblanco no le tiembla el pulso a la hora de experimentar y renovar códigos. Un álbum transversal en forma y fondo plagado de las influencias más heterogéneas que explotan en un sofisticado confeti sonoro en el que el amor y la empatía son las herramientas fundamentales para el avance y el progreso. En ese sentido, el disco se desdobla en el reflejo del mundo ideal que concibe el artista, donde todo es más igualitario y justo, y en el cobijo y lugar seguro de todo aquel que siente que no encaja en los estándares sociales tradicionales.

Bienvenidos a la X Edición de Tenerife Noir.
El Festival Atlántico de Género Negro celebra su décimo aniversario en marzo de 2025, consolidándose como un referente cultural en Canarias y un punto de encuentro imprescindible para los amantes del noir en todas sus formas.Este hito especial estará marcado por una programación amplia y multidisciplinar que combinará literatura, cine, artes escénicas, música y mucho más, todo enmarcado en el fascinante universo del género negro. Contaremos con destacados invitados nacionales e internacionales, exposiciones, mesas redondas y actividades lúdico-educativas que acercarán el noir a todas las edades.
Prepárate para sumergirte en el misterio, la intriga y la reflexión. Marzo está a la vuelta de la esquina, y Tenerife Noir 2025 promete ser nuestra edición más ambiciosa hasta ahora. ¡Te esperamos para vivir juntos esta experiencia única!
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“Mar, o de cómo sobrevivir a un tsunami” es una casi tragi casi comedia. Un espectáculo honesto que se sumerge en un mar de cuerdas como quien navega por los recuerdos y que se enfrenta a emociones en calma chicha y en fuerte marejada.
¿Cómo sobrevivir al hueco que dejan los que ya no están? No sabemos cómo. Solo que la vida pasa. A veces por soleá, otras por bulería.En esta pieza se diluyen los conceptos del teatro físico, el circo, la música en directo y la plástica escénica en un ritual casi humorístico, casi poético, casi flamenco y casi dramático.
“Mar, o de cómo sobrevivir a un tsunami” es un viaje entre el humor absurdo y el drama, un acto de rebeldía frente al tabú de hablar sobre la muerte. Es un acto de resiliencia. Un homenaje. Es un “Vamos, Rebe” y un “Vamos, Javi”.

Los Sabandeños celebrarán el inicio de su gira por el 60º aniversario en un concierto muy especial, con motivo del ciclo Primavera en la Fundación CajaCanarias. Este evento, que marca el comienzo de una serie de actuaciones a lo largo de 2025 y 2026, será también un emotivo colofón a la extraordinaria trayectoria del grupo. Durante el concierto, Los Sabandeños ofrecerán una selección de sus temas más emblemáticos, un recorrido musical por seis décadas de historia en las que han sido referentes de la música tradicional canaria. La cita promete ser un homenaje a su legado y una celebración única para todos los que han acompañado al grupo en su largo viaje musical.

“Calladitas estáis más guapas” es un espectáculo de comedia multidisciplinar, escrita e interpretada por mujeres, con gran acogida por parte del público y de la crítica. Presentado por Jessika Rojano y Sil de Castro, acompañadas al piano por La Maria Rosa, presentaron el primer festival de comedia feminista de Barcelona, ‘Calladitas estáis más guapas. FEST’. Después del gran éxito, se convirtió en formato SHOW, con el que estuvieron 6 meses en temporada estable en el Teatro Molino de Barcelona. El funcionamiento del espectáculo es sencillo y muy ágil, hay Stand Up de manera conjunta, luego monólogos individuales de sus protagonistas y el añadido extra de cómicas invitadas (siempre mujeres), que van variando según la función y que durante 15 minutos nos muestran algo de su trabajo.
Con este formato se consigue que, durante casi dos horas de show, el ritmo vaya cambiando y se refresque de tal manera que mantienen la atención del público en todo momento.

La sólida carrera de la soprano canaria Raquel Lojendio ha estado principalmente fundamentada en su versatilidad como cantante y artista, abordando un amplio repertorio de Bach, Mozart, Stravinsky, Verdi, Shostakovich o Wagner. Asimismo, ha trabajado con directores como Sir Neville Marriner, Rafael Frühbeck de Burgos, Gianluigi Gelmetti, Juanjo Mena, Jesús López Cobos, Guillermo García Calvo, Víctor Pablo Pérez, George Pehlivanian o Vassili Petrenko, y ha sido invitada por las principales orquestas españolas y del extranjero: Berliner Philharmoniker, Boston Symphony Orchestra, BBC Philharmonic Orchestra, Seattle Symphony Orchestra, Orchestra Sinfonica Nazionale della Rai de Torino, Bergen Filharmoniske Orkester o Dresdner Philharmonie.
Su carrera abarca el mundo del recital, el concierto sinfónico, la ópera y la zarzuela, destacando en su repertorio papeles como el de Pamina (Die Zauberflöte), Violetta (La Traviata), Donna Anna (Don Giovanni), Morgana (Alcina), Musetta (La Bohème) u obras como las Sinfonías 2ª, 4ª y 8ª de Mahler; El Sombrero de tres picos, de Falla; la 9ª Sinfonía de Beethoven; o Die Schöpfung, de Haydn, celebradas, entre otros recintos y ciclos musicales, en el Teatro Verdi de Trieste, el Teatro Real de Madrid, el Tanglewood Festival, el Manchester Bridgewater Hall, el Teatro Municipal de Cali, el George Enescu Festival o el Teatro Colón de Bogotá. Raquel Lojendio ha grabado para importantes sellos discográficos, como Deutsche Grammophon, Naxos, Licanus, Rtve Música y Chandos. Además, es Premio de Música “María Orán” de la Fundación CajaCanarias 2000 y Medalla de Oro del Cabildo de Tenerife.

Dos personajes: A y B. Dos actores (Jorge Bosch y Gustavo Salmerón) que interactúan y que durante ocho encuentros irán alternando, de uno a otro rol. Los escenarios son varios, pero todo apunta a la condición masculina contemporánea que se despliega en un encuentro con una mujer. Una mirada desprovista de testigos. Un ring side sin público. Sobreprotección o falsa protección, intimidación y degradación. Confrontaciones que, en algún lugar y en algún momento, fueron socialmente permitidos. Pero, sobre todo, una lupa sobre la enorme distancia que todavía falta recorrer. En ese terreno se mueve la obra. Palabras que, por la forma en la que están armados los textos, parecieran más propensas a ser pensadas que dichas. Acciones, procedimientos y discursos casi sin filtro de conciencia. Seres desprotegidos, que en general se acercan más a lo animal, que a lo humano. Sin embargo, el discurso es un discurso humano. Discurso que, lamentablemente, aún escuchamos con demasiada frecuencia.

Santiago Auserón ha ido dando relieve a su personaje escénico mezcla de juglar ibero, bluesman y sonero. En sus conciertos en solitario, acompañado por su guitarra, va enriqueciendo un espectáculo rico en dimensiones y matices. Las canciones se suceden como una película hecha de escenas de viaje. Por parajes fronterizos, el cantante se va encontrando con apariciones con las que dialoga como en una fábula.
En las últimas composiciones registradas con su banda, letras y melodías sorprenden una vez más por su originalidad. Al retornar al formato musical desnudo, recobran la frescura de los primeros esbozos, pero evolucionan hacia una armazón musical madura. Al juntarse con las últimas composiciones, la antología de la obra anterior adquiere nuevo colorido.
Santiago Auserón presenta sus canciones con improvisados relatos que combinan lirismo y humor, repartiendo ideas innovadoras. Su música crea un lugar acogedor donde se entablan complicidades. Su público fiel se ha ido convirtiendo en una especie de hermandad sin otra regla que la experiencia compartida de la poesía y de la música.